Reinaldo Pagán Ávila - Entrevista

EL HOMBRE ES UN PROYECTO

Por Reinaldo Cedeño Pineda

"He vivido una vida doble". "A pensar, nadie me enseñó". "Los seres inanimados no pueden contar la historia, pero la vivieron".

-Papá, pídele a ese señor un poco de pintura, lo que le sobre, que yo también quiero pintar...

El Reparto Sueño es uno de los conjuntos residenciales más anhelados de Santiago de Cuba, por su tranquilidad, posición geográfica y el buen estado de sus casas, muchas surgidas a mediados del siglo XX. La escena tendría lugar precisamente allí, donde vivía el padre de Reinaldo, mientras un pintor hacía un mural en la pared. Y el niño, haría lo suyo.

Pero, la formación de Reinaldo Pagán no tuvo sólo ese escenario, al contrario, transitó por un camino dual. Al divorciarse sus progenitores, queda con su madre Clara en Vista Hermosa, zona alta de la ciudad, un lugar más antiguo y popular, de corredores y casas de madera, y también de personajes "tipos": el guapo del barrio, el santero...

La mano del artista supo sacar partido a ambos micro mundos que el destino le ponía delante.

"He retomado la idea de ese ambiente popular que está en el humor, la ironía y en muchos de los personajes que mezclo con obras clásicas, fue un entorno que me marcó mucho. Sueño, donde iba en mis vacaciones, era la parte tranquila, más reflexiva. He vivido una vida doble.

"No me siento bien trabajando una sola línea, puedo estar en una línea detallista y luego una más expresionista, más suelta. Mi arte se ramifica en varias direcciones, no tengo prejuicio a la hora de asumir un solo género. Eso no te puede extrañar nunca".

Era el escogido para los concursos de dibujo desde muy temprano. A nadie parecía llamarle la atención tal don, que al fin y al cabo su padre, Luis Reinaldo, era un fotógrafo artístico bien conocido, y se relacionaba con artistas de la talla de Eleomar Puente y José Loreto Hourruitiner.

"El olor a trementina, me decía que yo estaba en un taller de artistas. Y ese olor me gustó, ese ver a los artistas trabajando. Yo era un niño muy callado, muy retraído, y me gustaba mucho observar en los talleres cada pincelada, o esa paciencia de los laboratorios de fotografía. Eso se me fue impregnando. Y por si fuese poco, mi mamá, aunque nunca fue pintora, me ayudaba a perfeccionar mis dibujos con su talento natural".

CENICIENTAS Y PRINCESAS

Casi toda la década del 80, su vida transcurre en la Escuela José Joaquín Tejada, donde se gradúa en el curso 89-90, de profesor de pintura y dibujo, y graduado de nivel medio profesional en pintura y dibujo.

"Cuando entré en la Escuela, ya tenía el diseño y las formas incorporados, por eso tal vez algunas cosas se me hacían fáciles. Pero, a pensar nadie me enseñó, eso tuve que aprenderlo yo con los golpes de la vida. La escuela me enseñó a perfilar mi oficio, a mejorar. La pintura era el fuerte mío la pintura era una especie de obsesión.

"La escuela fue una etapa de experimentación, algunas de las técnicas de la pintura que yo esperaba dar, no se pudieron, a veces porque no había instrumentos, o material, o profesor que impartiera esa técnica. Muchas técnicas las aprendí por libros, o experimentando yo mismo. Prácticamente aprendí a hacer acuarela después que salí de la escuela.

"Mi papá tenía muchas revistas de fotografía, muchos libros de arte. Yo hice algunas fotos pero teniéndolo cerca, y viendo todos los experimentos que hacía, sin embargo la fotografía nunca me motivó tanto como la pintura.

-¿Es qué viste la fotografía como "La Cenicienta" de las Artes Plásticas?

"No. La fotografía es un arte que puede llegar a ser tan profundo como la pintura misma, y eso lo han demostrado muchos que la han tomado como arte. El problema es que la mayoría de los fotógrafos se han dedicado a la fotografía comercial. No se sabe donde puede llegar la fotografía, no solamente en cuanto a experimento con la química, sino con el montaje, el encuadre, los efectos de colores, o la mezcla de la fotografía con la pintura".

No sería en la fotografía, pero en el rescoldo ceniciento de las Artes Plásticas también otras formas le hacían compañía. En una especie de venganza -dulce venganza- Reinaldo salió, decidido a convertir a la presunta cenicienta, en una princesa: la acuarela. Y no tenía más varita mágica que su pincel.

"No me dieron esa técnica con la profundidad que yo hubiese querido. La acuarela ha sido un tanto menospreciada, porque se ha tomado como una técnica que no sirve para hacer una obra de arte definitiva; sino para hacer el boceto, que te lleva luego a hacer la obra de arte, en óleo, o acrílico, o en otra técnica.

"Hay muy pocos pintores que han llevado la acuarela a un lugar muy alto, con una idea, una concepción con todo el contenido que requiere una verdadera obra de arte. Siempre me propuse llevar la acuarela hasta las últimas consecuencias, empecé haciendo grafito, que nadie estaba trabajando entonces.

"Con las dificultades de los materiales, empecé a hacer la acuarela con una técnica. Es muy difícil ver una acuarela compitiendo en un salón, y yo logré coger premios con mis acuarelas en el Salón 30 de Noviembre. Yo llevé la misma temática de siempre, con los mismos códigos post modernistas y utilizando mezclas de elementos nacionales.

"Algunos decían que no era la técnica de la acuarela porque utilizaba blanco. Otros decían que yo la mezclaba con otras cosas, que utilizaba lápices, porque le parecía increíble esa forma de utilizar la acuarela, y la llevaba a altos niveles. Hay una serie que se llama La política cultural, otra La mesa está servida. Temas relacionados con el mismo arte -con el arte del mercado, quiero decir-, un tema que siempre me ha preocupado.

"Considero que tú puedes utilizar cualquier técnica y hacer la obra más contemporánea. La acuarela se ha utilizado durante años para hacer bocetos y son los paisajistas quienes le han llevado hasta un lugar decoroso; pero eso no quiere decir que no pueda hacer una obra contemporánea. Existen dos formas de hacer acuarela, a la húmeda que es la más usada, y a la seca, que la aprendí por los libros".

LAS CIEN MUERTES DE MARAT

Jean Paul Marat (1743-1793) fue un afamado médico, articulista y héroe de la Revolución Francesa. La fanática Charlotte Corday, se presentó como una ardiente girondina necesitada de protección, y fue recibida por Marat en su propio cuarto de baño, donde habitualmente trataba de curar una enfermedad cutánea. Entonces, la Corday extrajó un puñal escondido bajo su vestimenta y lo hundió en su carne hasta dejarlo sin vida.
El pintor Jacques Louis David detuvo con su pincel esa muerte inútil, súbita e inesperada, inmortalizando toda la tragedia que representó en medio de la torrentera de aquella revolución pionera.

"Para mí, es una de las mejores obras de la Historia del Arte, por la composición de colores, el dramatismo de un tema sublime, ¿entiendes?. A veces sustituyo el elemento de, propio Marat por un maniquí, porque lo que me interesa es el concepto que se transmite".

La obra de Pagán se apropia de elementos de la afamada obra, y de otras de diferentes estilos y escuelas. ƒl prefiere llamarle a esta manera manipulación, pese a lo polisémico y cuestionado que se nos presente el término, si tomamos su significado más allá de las artes plásticas.

"La manipulación de la obra no se circunscribe a la obra clásica. Mi obra se basa en hacer citas múltiples de la Historia del Arte, donde puede verse un Picasso, una obra flamenca o una obra barroca. Hay en mi obra una especie de anacronismo.

"Trato de que haya un ambiente coherente y no un divorcio demasiado evidente en la obra, o puede estar también en un contexto criollo, como el caso de El Cristo de la Hamaca. Es un Cristo que ya no lo es, está extraído de una obra flamenca; pero ya es un guajiro, se ve con un machete en la mano, tendido en una hamaca. Se supone que después de una jornada de trabajo; tal vez viene de picar caña, y es un poco una metáfora doble, el martirio de ese trabajo tan difícil.

"La muerte de Marat es una obra archiconocida, pero los títulos de mis obras que se relacionan con ella, les cambian el contexto a la obra. Puedes convocar a cien pintores, para que hagan una obra a partir del Marat de David, y ninguno de los cien pintores va a hacer la misma obra. Retomando elementos de una obra conocida, puedes hacerla cien veces original.

"He utilizado el Marat reiteradamente porque he tenido en mi mente una serie donde utilice una sola cita, y ser capaz de hacer cincuenta o cien obras, y que ninguna se parezca a la otra, aunque esté utilizando la misma referencia.

"Cuando hablamos de manipulación me refiero exactamente a lo que otros llaman apropiación, otros, descontextualización; pero a mí me gusta mas el término manipulación, porque realmente uno está manipulando cosas que están hechas ya en la realidad del arte. Tú manipulas estilos que otros han manipulado o han fundado; pero sea aclarado, cuando tú te apropias de esos estilos y esas formas, es para construir una nueva obra".

-¿No tienes temor de que esta manipulación permee tu obra de códigos ajenos o muy conocidos, o que este rejuego haga que tu estilo personal se esconda, o se desfigure detrás de tantas manipulaciones?

"Eso no me preocupa. Lo que inmediatamente preocupa es decir. En la obra, lo que más me preocupa es la idea, y sé que todo va a estar bajo el influjo de mi cabeza, de mi pensamiento y de mi forma de asumir eso.

"La forma en que yo construyo la idea, apropiándome de determinados códigos en la Historia del Arte, es como una metodología que yo creo a la hora de conformar mi obra.

"Yo me apropio de cosas hechas para decir lo mío, todo lo que pienso desde mi punto de vista. Lo que más me preocupa es ser yo, y comunicar. Es como una silla: lo que me preocupa es que en la silla uno se puede sentar cómodamente, no importa si tiene un brazo del Barroco, el espaldar del Renacimiento y las patas del Surrealismo".

LA METÁFORA DOBLE

Reinaldo Pagán Ávila no tiene a mano el chiste fácil o callejero, es un humorista de la profundidad, de la reflexión, hasta del humor negro. Al contrario, su introversión, su "silencio parlante" hace que toda la carga que le invade, se vuelque plena en series y lienzos.

"Cualquiera que sea el tema en que yo trabaje, se debate en una crítica social, donde está implícito el humor reflexivo, la ironía".

Los cercanos saben de su concentración por encima de todo. No suele pedir atención, la irradia. Su hijo Wilban parece seguir a papá. Sus personajes son la gente que conoce a diario.
No se casa con materiales ni escuelas, ni se guía por normas o fetiches. Tras su silencio, hay un inconforme que habla. "Si me llega el mensaje, si lo que observo me toca el sentimiento, me gusta la obra, sea de la escuela que sea. Yo aclimato la técnica y la forma a la idea".

La primera exposición de Reinaldo Pagán fue Mi cara doble (PONER A"O, donde utiliza el formato de las monedas, por aquello del anverso y reverso, apropiándose de esa forma, con sus figuras y letras de inscripción, con una minuciosa y preciosa mirada a la actualidad cubana.

Aquello no quedó ahí, y tuvo una segunda parte, esta vez caricaturas: La otra cara. No nos extrañemos, ya nos advertía de esta múltiple manera de expresarse. Incluso, su primer lauro en el ámbito nacional (1993) fue en el Premio Aquelarre -máximo concurso de tema humorístico en la Isla- y alcanzó con una caricatura, uno de los premios del Salón Olense Karteenale, en Olen, Bélgica, en 1996.

La segunda fue La política cómica, en el Prado de

La segunda muestra, La política cómica, *PONRER A"O fue en El Prado de las Esculturas, un gigantesco espacio matizado por obras volumétricas de artistas de varios países, en el gran parque natural Baconao. Resultó una exposición jocosa y algo picante, porque utilizaba muchos elementos fálicos y símbolos patrios. '' La ideas de la exposición, era solo una forma cómica de ver algunas facetas de la política cultural, y tal vez no fueron entendidas algunas cosas, al ser sacadas de ese contexto".

-¿Por qué esta referencia constante al maniquí, a la marioneta?

"Forma parte de una serie que se iba a llamar Proyecto para la muerte de un burócrata. Es una critica a muchas cosas, fundamentalmente a una moda de hacer proyectos que se ponen en un papel, y eso queda como una obra, aunque nunca se realice.

"Es una referencia a lo utópico, a lo inacabado, es también un planteamiento filosófico. El hombre para mí es un proyecto inconcluso. El hombre es un proyecto no acabado, porque hay millones de interrogantes, millones de dudas a las que no ha podido encontrarle las respuestas o dar las soluciones, y en tal caso están las interrogantes de su propia existencia.
"Si te vas por la vía religiosa, el hombre fue construido por Dios, y entonces no seríamos más que marionetas de Dios. Si eres ateo, entonces estás regido por el poder, por leyes... tú sigues siendo una marioneta del destino. El hombre todavía se está encontrando".

-Y las imágenes religiosas siguen acompañándote, pero de un Cristo peculiar...

"Mira, la escuela flamenca es una de las más interesantes en el mundo de la pintura, de las que más aportaron en el mundo de la cultura. Fue pre-renacentista y post-renacentista. Me he interesado por su técnica, y en que es una escuela netamente religiosa, sobre todo los prerenacentistas.

"A mi me interesó apropiarme de algunos elementos de la pintura religiosa de la escuela flamenca, como por ejemplo: los ángeles, sus Cristos... a los que saco del contexto religioso, es simplemente una cita. Aunque veas a Cristo como por ejemplo El Cristo de la colombina, es un Cristo simbólico, es un ser humano, que vive en una realidad, una pobreza, unas limitaciones... y producto de esto, puede haber un martirio tan grande como el de Cristo. Son metáforas".

-A propósito de encuentros, ¿por qué ese puente hacia el grabado japonés, que parece, al menos a primera vista, estar desligado con el arte de esta geografía o de este tiempo?

"Esa cita al mundo oriental es una metáfora doble. El mundo oriental siempre ha sido discriminado por el mundo occidental, y en Cuba, es más fácil alcanzar los medios masivos desde la capital y es más difícil desde nuestro Oriente, bien lo sé. Dondequiera que haya un personaje de estos, está presente lo oriental doblemente.

"Los grabados japoneses son muy lineales, los colores planos aunque yo violo esto, porque pongo a personajes que tienen ya un volumen; mezclo los elementos de una cultura con otra. Mi obra es un híbrido".

-¿Pero, no crees que eso mismo te ha permitido condensar una autenticidad que en una ciudad más cosmopolita, tal vez estuviera más contaminada?

"Quizás... de alguna forma, el que trabaja en provincia, al margen de las últimas cosas que se hacen en la habana, absorbe eso y aquí estás haciendo un arte más nacional. Un arte sin imitar corrientes en boga, aunque estemos en un momento en el arte en que todo vale. Aquí como que la vida es más lenta... y eso hace ir más al interior de la persona, más hacia adentro".

-Hay otra serie llamada Somos inocentes que también hablan de ese proyecto de hombre en su potencialidad futura, del niño; pero creo que la mirada del artista no es nada inocente...

"Mira, la idea me surge a partir de que voy a tener un hijo, cuando mi esposa está en estado. Viene todo el proceso de buscar la cuna, las vivencias en todo ese contexto. Trato de ponerme en su lugar, en como debe sentirse un niño en todo este encierro de una cuna o en un corral.

"Generalmente el adulto no piensa que fue niño y de cierta manera es una metáfora apoyándome en la inocencia. El título Somos Inocentes es algo irónico, tal vez en esa etapa seamos inocentes, pero está claro que desde la posición mía no hay una mirada de inocente.

"Yo veo las cosas con otra óptica, es también una reflexión acerca del ser humano. Puede servirme para una obra, lo mismo un poster que el título de una canción. Me siento con el don de manipular cualquier cosa, siempre estoy regido de una idea que quiero inducir en el cuadro".

-¿También las cañas?

"Yo trabajo fundamentalmente con series, en el caso de las cañas, era un proyecto que yo tenía titulado: Si las cañas hablaran, porque creo que cada cosa, cada árbol, tienen su propia historia, y han vivido la historia de los hechos. Son los hombres los que cuentan la historia. Los seres inanimados, naturalmente, no pueden contar la historia, pero la vivieron. La historia está contada desde diferentes puntos de vista. Solamente el palo donde crucificaron a Cristo y el paño que lo envolvió, pueden contar exactamente su verdadera historia.

"Tú has estado en un cañaveral y sabes que es un lugar difícil , se presta para hacer fechorías, parea ocultarse y también para hacer cosas placenteras como hacer el amor. Este es una propuesta de que las cañas cuenten la historia desde su punto de vista."

LA POSTMODERNIDAD ES UN AJIACO

El ajiaco es un plato tradicional cubano donde se mezclan carnes y vegetales de tierra (viandas) y aportes de diferentes culturas, hasta lograr una mixtura de exquisito sabor al paladar, y donde los ingredientes han perdido sabor propio para darlo al espeso caldo. El sabio cubano Don Fernando lo utilizó como símil con la Isla de Cuba, con su identidad.

Vuelve el plato a prestarse para definiciones, porque para nuestro entrevistado, la postmodernidad en Cuba es también como el criollo alimento.

"La postmodernidad en Cuba es como Cuba misma. Cuba es un ajiaco, siempre ha sido, desde sus comienzos en la historia del arte, se ha alimentado de ecos artísticos de otros lugares. Por ejemplo, la Academia en Cuba fue traída por Nicolás de la Escalera y Juan Bautista Vermey que era francés. OJO. Cuba siempre ha asimilado las corrientes foráneas, pero las ha metido en su olla, y la ha cocinado a su forma. La posmodernidad de Cuba está en la idea, su modernidad es sui géneris".

Reinaldo se unió a otros jóvenes pintores de la ciudad santiaguera, Yuri Moreno y Orestes Campos, para formar el grupo Cara-jo, que se traduce como "Cara joven", y también jugando con una palabra jocosa, a medio camino entre una frase que puede indicar un lugar desconocido y distante, o quizás un ex abrupto.

"Generalmente los grupos trabajan todos la misma obra, nosotros somos tres artistas plásticos, pero cada uno con su línea de trabajo, su punto de vista y lo bueno ese tema se analiza y se reparte. Siempre estamos tratando de darnos a conocer, y tenemos muchos proyectos que no se han realizado por falta de economía. Los fines de Cara -jo son puramente artísticos, también tenemos proyectos de dibujos animados y de cine".

Los críticos se han impregnado de la originalidad de sus piezas, aunque en ocasiones subsistan deficiencias en la promoción, o esta aparezca asistemática o carente de catálogos.

"Casi todo el mundo habla bien de mi obra. Mi obra, aparentemente es hedonista, pero no hay nada hedonista. En mi idea, las opiniones que más yo busco son sobre el mensaje de la obra, que disfrutan más allá del goce estético, sino el placer de la ingeniosidad de la idea, ¿entiendes?

"Todo es como un adorno a lo que viene detrás, pero eso no quiere decir que no me interese que se disfrute la obra. Hay pintores que logran una maravilla en la técnica, pero cuando vas al fondo, te das cuenta que todo se queda ahí, en la epidermis y la obra está hueca. Es como una mujer que puede ser muy bella, pero cuando hablan de ella, no transmite nada.

"Yo pienso en la idea antes de hacer la obra, e incluso, el título lo tengo antes de hacer la obra. Pienso el título, y luego la obra. No pinto, si no estoy motivado, y no importa las condiciones en que yo pinte. Puedo pasarme semanas sin pintar, porque puedo estar leyendo, escuchando una música, escribiendo. Tengo que enamorarme de la idea para realizarla. Pinto muy rápido, y resuelvo muy rápido los cuadros. Donde me demoro es con la forma, cuando me fluye una idea, me fluye la serie."

El 8 de diciembre es el día de Nuestra Señora del Rosario en el santoral católico. Tal vez los padres, Clara y Luis Reinaldo esperaban una niña, para quizás llamarla "Charito"; pero en esa fecha de 1971, les nació un varón, y muy varón": Reinaldo Pagán Ávila. En su surtidor inacabable de colores e ideas, a veces, todo fluye a tal velocidad, que no hay tiempo físico para concluir conjuntos de obras o piezas individuales. Su silencio es fecundo. El presente es una llama que arde en su bolsillo, y el futuro ya se atisba en sus pupilas.